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Was Ihre Lieblingskünstler bei den Grammy Awards 2013 essen werden

Was Ihre Lieblingskünstler bei den Grammy Awards 2013 essen werden


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Diese Rezepte der Grammy Awards machen es Ihnen und Ihren Gästen leichter, wie die Promis zu speisen

Die größte Nacht der Musik steht vor der Tür – die 55. jährlichen Grammy Awards, veranstaltet von LL Cool J, kommen am 10. Februar.

Während Sie sicherlich an Ihrem Bildschirm kleben werden, um Ihre Lieblingskünstler wie Mumford & Söhne, Bruno Mars, Alicia Keys, und Rihanna ihre größten Hits des Jahres aufführen, werden die Ehrengäste mit dekadenter Kost von Staples Center Küchenchef Joseph Martin und seinem Team verwöhnt. Die Crew plant, bis zu 1.200 Flaschen Wein, 8.000 Rollen Sushi und 240 Pfund Garnelen zu servieren – eine Party, oder?

Wenn Sie wie wir eine Grammy-Party veranstalten, haben Sie Glück, denn wir wissen genau, was serviert wird, damit Sie Ihre eigenen Versionen der Gerichte zu Hause zubereiten können.

Cocktails:

• Gingersnap Limeade mit hausgemachter Limeade, Cranberrysaft, Ingwerbier, Agavennektar, Ingwerstreichhölzern und Limettenrädern

• Margaritas mit Reposado, frisch gepresstem Orangensaft, Limettensaft und Zuckersirup

Speisekarte:

• Risotto-Pfannkuchen mit rustikaler Tomatensauce

• Gekühlte Zitronengrassuppe mit Riesenkrabben

• Hummerbeignets mit Sellerie-Remoulade

Wir können Ihnen zwar keinen tatsächlichen Preis verleihen, aber Sie haben jetzt die Oberhand, was Sie für einen unterhaltsamen Abend servieren können. (Es wird gemunkelt, dass es a Rihanna und Chris Brown Duett!) Viel Spaß!


So sahen ältere Sängerinnen und Sänger zu Beginn ihrer Karriere aus

Für manche Musiker ist das Alter nichts anderes als eine Zahl! Begleiten Sie Wonderwall.com, wenn wir einen Blick darauf werfen, wie einige unserer Lieblingssänger zu Beginn ihrer Karriere aussahen… Barbra Streisand war schon immer eine Schönheit! Der gebürtige New Yorker – ein EGOT-Gewinner (Emmy, Grammy, Oscar und Tony Award) – trat in den frühen 1960er Jahren als Nachtclubsänger und dann als Broadway-Theaterdarsteller in die Musikszene ein. 1963 veröffentlichte sie "The Barbra Streisand Album". Es gewann zwei Grammys, darunter das Album des Jahres.

Lesen Sie weiter, um mehr ältere Sänger zu sehen, als ihre Karrieren noch jung waren…

Guter Kerl, Miss Dolly! Dolly Parton begann schon als Mädchen mit Auftritten und arbeitete dann als Songwriterin. Mit 21 veröffentlichte sie ihr erstes Studioalbum "Hello, I'm Dolly" aus dem Jahr 1967. Seitdem hat sie eine andauernde Karriere hinter sich, die mehr als 40 Top-10-Country-Alben, 11 Grammy Awards und fünf Academy of Country Music Awards umfasst. Die beliebte Schauspielerin-Sängerin, die zuletzt in ihrer Netflix-Serie "Dolly Parton's Heartstrings" aus dem Jahr 2019 auftrat, veröffentlichte 2020 ihr neuestes Album "A Holly Dolly Christmas".

Nachdem er in den frühen 60er Jahren in die Musikszene eingestiegen war, löste Tom Jones' Bariton – und sein Sexappeal – eine Reihe erfolgreicher Hits aus, darunter "It's Not Unusual", "What's New Pussycat?" und "Grünes, grünes Gras der Heimat." Im April 2021 veröffentlichte der walisische Sänger sein 41. Studioalbum, ein Projekt voller Coverversionen namens „Surrounded by Time“.

Goddess of Pop Cher ist seit langem eine Säule der weiblichen Ermächtigung in der Musikindustrie. Mitte der 60er Jahre wurde sie als eine Hälfte des Musikduos Sonny & Cher mit ihrem damaligen Ehemann Sonny Bono populär. 1966 begann sie ihre Solokarriere mit der Veröffentlichung der Single "Bang Bang (My Baby Shot Me Down)." Chers 26. Album "Dancing Queen" erschien 2018.

Tony Bennett war gerade 25, als sein erster Nummer-1-Hit "Because of You" veröffentlicht wurde. Seitdem hat er 19 Grammy Awards und zwei Primetime Emmys gewonnen. 2018 wurde „Love Is Here to Stay“ – sein neuestes und gemeinsames Album mit Diana Krall – veröffentlicht.

Dionne Warwick hatte 1962 Erfolg, nachdem sie ihre erste Solo-Single "Don't Make Me Over" veröffentlicht hatte. Ein Jahr später erschien ihr Debüt-Studioalbum "Presenting Dionne Warwick". 2019 veröffentlichte sie ihr 30. Studioalbum: „Dionne Warwick & the Voices of Christmas.

Paul McCartney wurde als Mitglied der Beatles weltweit bekannt. Paul wurde für seine herausragende Partnerschaft mit dem verstorbenen John Lennon anerkannt und startete nach der Auflösung der Gruppe im Jahr 1970 eine Solokarriere. Sein 18. Soloalbum "McCartney III" wurde 2020 veröffentlicht.

Bevor sie eine modebegeisterte Diva war, war sie ein junger Star aus Kanada! Céline Dion gab in den 1980er Jahren mit der Veröffentlichung französischsprachiger Alben ihr Debüt in der Musikindustrie. In den 90er Jahren erlangte Celine weltweite Anerkennung, nachdem sie eine Reihe leistungsstarker englischsprachiger Alben veröffentlicht hatte, darunter "Falling into You" von 1996. Mehr als 30 Jahre später war die internationale Sensation Headlinerin mehrerer erfolgreicher Las Vegas Residencies, in denen sie ihre Nr. 1-Tracks von "The Power of Love" bis "My Heart Will Go On" aufführte.

1991 wurde das zweite Studioalbum der Alternative-Rock-Band Nirvana "Nevermind" veröffentlicht. Nach dem Tod von Frontmann Kurt Cobain im Jahr 1994 gründete und leitete Schlagzeuger Dave Grohl die Foo Fighters, die in den USA mehr als 12 Millionen Alben verkauft und beeindruckende 12 Grammys verdient haben. Ihr zehntes Studioalbum "Medicine at Midnight" wurde Anfang 2021 veröffentlicht.

1983 veröffentlichte Cyndi Lauper ihr Debüt-Studioalbum "She's So Unusual", das die Hitsingles "Girls Just Want to Have Fun" und "Time After Time" enthielt. Zwei Jahre später erhielt sie einen Grammy als beste neue Künstlerin. 2013 gewann sie den Tony Award für die beste Originalmusik für das Broadway-Musical "Kinky Boots". 2016 erschien ihr erstes Country-Album „Detour“.

Wir lieben den Rocketman! Elton John, einer der meistverkauften Musiker aller Zeiten, veröffentlichte 1969 sein Debüt-Studioalbum „Empty Sky“. Wie verlief seine Karriere? Seitdem hat Elton fünf Grammys, zwei Oscars, zwei Golden Globes und einen Tony Award gewonnen. 2021 wird er sein 31. Studioalbum "Regimental Sgt. Zippo" veröffentlichen.

Queen of Country Pop Shania Twain veröffentlichte 1993 ihr selbstbetiteltes Debüt-Studioalbum. Drei Jahrzehnte später wurde der kanadische Country-Star zu einem der meistverkauften Künstler aller Zeiten und veröffentlichte Smash-Hits wie "That Don't Impress Me Much .". “, „Mann, ich fühle mich wie eine Frau“ und „Von diesem Moment an“.

In den 1970er Jahren nahm Lionel Richie mit der Funkband Commodores Musik auf. In den 80er Jahren wurde er als Solokünstler bekannt. Der Grammy-Gewinner und zukünftige "American Idol"-Juror veröffentlichte 1982 sein selbstbetiteltes Debütalbum.

In den frühen 90ern bildete Lauryn Hill ein Drittel des gefeierten alternativen Hip-Hop-Trios The Fugees. Ihr Debüt-Solo-Studioalbum "The Miseducation of Lauryn Hill" von 1998 erhielt 10 Grammy-Nominierungen und nahm fünf davon mit nach Hause, darunter das Album des Jahres.

Queen of Neo Soul Erykah Badu wurde Mitte der 90er Jahre berühmt, als sie für den Künstler D'Angelo auftrat. 1997 veröffentlichte sie ihr erstes Album "Baduizm", das die Singles "Appletree" und "Otherside of the Game" enthielt. Ihre neueste Veröffentlichung – das Mixtape „But You Caint Use My Phone“ – erschien 2015. Erykah, die eine zweite Karriere als Doula hat, tritt weiterhin live auf.

Bob Dylan erreichte die Musikszene 1962 mit der Veröffentlichung seines selbstbetitelten Debütalbums. Im folgenden Jahr veröffentlichte die Kulturikone "The Freewheelin' Bob Dylan". Das 39. Album des Singer-Songwriters "Rough and Rowdy Ways" erschien 2020.

Madonna – die 1983 mit der Veröffentlichung ihres Debüt-Studioalbums Berühmtheit erlangte – vergrößerte ihre Fangemeinde mit der Veröffentlichung von Alben wie "Like a Virgin" von 1984, "True Blue" von 1986 und dem Grammy-prämierten "Ray of Light" von 1998. Mit mehr als 300 Millionen verkauften Tonträgern weltweit gilt sie als die meistverkaufte Künstlerin aller Zeiten.

Er hatte Musik gemacht, lange bevor er groß herauskam, aber Willie Nelson sorgte nach der Veröffentlichung von "Shotgun Willie" von 1973 für große Wellen in der Country-Musikindustrie. Trotz seiner schlechten kommerziellen Leistung war das Album eines der Pionierwerke des Outlaw Country – ein Subgenre des traditionellen Country-Sounds.

1992 veröffentlichte Brian McKnight sein selbstbetiteltes Debütalbum, das die Singles "The Way Love Goes", "Goodbye My Love", "One Last Cry" und "After the Love" enthielt. Sein fünftes Studioalbum – „Back at One“ aus dem Jahr 1999 – ist seine erfolgreichste Veröffentlichung aller Zeiten.

Loretta Lynn – deren Karriere beeindruckende sechs Jahrzehnte umfasst – veröffentlichte 1963 ihr Debüt-Studioalbum „Loretta Lynn Sings“. Das Album enthielt die Singles „I Walked Away from the Wreck“, „Success“, „World of Forgotten People“. und "Die andere Frau".

Nachdem Alanis Morissette in den frühen 90er Jahren als Pop-Künstler erfolgreich war, begann ihre Musikkarriere nach der Veröffentlichung von "Jagged Little Pill" aus dem Jahr 1995, die über 30 Millionen Mal verkauft wurde. Das Album, das eine starke Abkehr von ihrem vorherigen Sound darstellte, wurde 2017 zu einem gleichnamigen Musical (das 15 Nominierungen für den Tony Award erhielt). Das neueste Album des kanadischen Hitmachers, "Such Pretty Forks in the Road", debütierte im Jahr 2020.


BTS deckt Rolling Stone ab, spricht über die neue Single "Butter" und die Fortsetzung ihres englischen Crossovers

Das K-Pop-Phänomen teilt im neuen Interview alles von seinen Ursprüngen bis zu seiner Zukunft.

Obwohl die Mitglieder von BTS gerade die Nachricht gemacht haben, dass sie in Erwartung ihrer neuen Single "Butter" am 21. Mai ihre Haarfarbe geändert haben, sind Ihre Lieblings-K-Pop-Stars mit ihrem neuen Rollender Stein Startseite.

Die Titelgeschichte skizziert die Ursprünge der Gruppe, die bis ins Jahr 2010 zurückreicht, als RM von Bang Si-hyuk entdeckt wurde, dem Mogul und Produzent von BTS' Plattenfirma HYBE (früher bekannt als Big Hit Entertainment).

Es dauerte bis 2013, als der Rest der Mitglieder ausgewählt wurde, um die BTS zu werden, die wir heute kennen und lieben. Seitdem hat die Gruppe neun Studioalben, sechs Compilation-Alben und sechs EPs veröffentlicht. Im Laufe der Jahre haben sie mit Künstlern wie Halsey und Produzenten wie Ivan Jackson von Brasstracks und David Stewart zusammengearbeitet.

Im Jahr 2020 veröffentlichten sie ihre erste Single in englischer Sprache, "Dynamite", die auf Platz 1 landete und bei den 63.

"Wir sind Ausreißer", sagte RM Rollender Stein, "und wir kamen in den amerikanischen Musikmarkt und genossen diesen unglaublichen Erfolg."

Die Gruppe hat sich seit ihrem Debüt nirgendwo anders entwickelt, und ihre zweite englische Single "Butter" ist im Gange.

Laut der Titelstory ist "Butter" eine "unbeschwerte, reine, prahlerische Dance-Pop-Feier im Retro-Stil von Bruno Mars, mit Schichten von Jam- und Lewis-Style-Synths und rühmt sich, "smooth like butter" zu sein und ein a 'Superstar-Glühen.'"

"Es ist sehr energisch und sehr sommerlich. Es hat eine sehr dynamische Leistung", sagte RM über die kommende Single.

Normalerweise entwickeln sich Musikgruppen nach einigen Jahren ihrer Karriere weiter, die Zukunft von BTS ist jedoch aufgrund eines südkoreanischen Gesetzes etwas unklar, das Männern vorschreibt, nach ihrem 28. Lebensjahr eine 21-monatige Dienstzeit beim Militär abzuleisten 2020 wurde Jin 28 Jahre alt, aber die südkoreanische Regierung verabschiedete ein Gesetz, das ihm eine Verlängerung des Dienstes gewährte, wenn er 30 Jahre alt ist.

"Ich denke, das Land hat mir irgendwie gesagt: 'Du machst das gut und wir geben dir ein bisschen mehr Zeit'", sagte Jin. Er drückte aus, dass der Militärdienst eine "wichtige Pflicht" für sein Land sei und dass er versuchen werde, alles zu tun, bis der Dienst ausgerufen wird.

Falls Sie es noch nicht getan haben, lesen Sie hier die gesamte Titelgeschichte. Wenn Sie Teil der BTS ARMY sind, haben Sie Glück, denn Rollender Stein hat ein exklusives Collector&rsquos-Edition-Boxset mit Covern herausgebracht, das ein Gruppencover und einzelne Cover aller sieben Mitglieder enthält.


Lea Michele

Schreiköniginnen und Freude Star, scherzte Lea Michele zu NY Daily News 2011 darüber, wie die Leute denken, dass ihre vegane Ernährung bedeutet, dass sie nur Gras isst – aber das ist bei weitem nicht der Fall. Sie war einst Vegetarierin, wechselte aber nach dem Lesen zum Veganismus Die New York Times Bestseller, Verkaufsschlager, Spitzenreiter Skinny Hündin, "und es hat mir ins Gesicht geschlagen", erzählte sie Frauengesundheit. Jetzt ist Lea von Bio-Produkten mehr für ihr Wohlbefinden als für ihre Taille süchtig. Laut einem Interview mit SELBST Magazin beginnt ein typischer Tag für sie entweder mit einem Tofu-Scramble, Avocado-Toast oder einem Smoothie nach einem SoulCycle-Workout. Normalerweise hält sie sich zum Mittagessen an Salate, und zum Abendessen sagt Lea – die halb Italienerin ist –, dass sie ein Faible für eine Schüssel Pasta hat. Wenn Sie dies auch tun, sollten Sie sich unseren exklusiven Bericht 40 beste und schlechteste Pastasaucen – Rangliste ansehen!


28. Kate Bush

Der Guardian beschreibt Kate Bush nicht “nur eine Singer-Songwriterin, sondern ein echtes Genie, das keine weiteren Fragen stellt,” basierend auf der Tatsache, dass sie ihren 1978er Hit “The Man With the Child in His Eyes” schrieb als sie gerade 13 Jahre alt war. Als sie 19 Jahre alt war, führte Bush mit ihrer Debütsingle “Wuthering Heights” die britischen Single-Charts vier Wochen lang an.

Im September 2020 erhielt Bush ein renommiertes Stipendium der Ivors Academy, dem unabhängigen britischen Berufsverband für Songwriter.


„Weitere Künstler werden boykottieren“: Die Grammys Face Fallout After Fraught Awards

Vor dem 59. Nach langen Vorwürfen, dass die Grammys junge, progressive schwarze Künstler übersehen – die letzte schwarze Frau, die 1999 das Album des Jahres gewann, war Lauryn Hill – sah sich die Recording Academy einer möglichen Gegenreaktion gegenüber, weil sie bei einer weißen, traditionalistischen Wahl wie Adele all-in ging .

Nun, aufbauend auf einem bereits sprudelnden Gespräch, erwägen einige Künstler und Branchenbeobachter die möglichen Folgen.

„Immer mehr Künstler werden boykottieren und sich zurückziehen“, sagte Laura Stylez, Co-Moderatorin von „Ebro in the Morning“ auf dem New Yorker Hip-Hop- und R&B-Sender Hot 97, in einem Interview unter Berufung auf die Abwesenheit von Drake, Frank Ocean, Justin Bieber und Kanye West von der diesjährigen Show, trotz ihrer wichtigsten Veröffentlichungen und Nominierungen. „Sie wollen die heutige Generation nicht verlieren. Sie haben das Gefühl, nicht vertreten zu sein.“

Charlamagne Tha God, eine einflussreiche Radiopersönlichkeit von „The Breakfast Club“ auf Power 105.1, nannte die Grammy-Wähler seinen „Donkey of the Day“ für ihre Auswahl an Album des Jahres. „Ich sage Künstlern die ganze Zeit: Geh dorthin, wo du gefeiert wirst, nicht wo du toleriert wirst“, sagte er und fügte hinzu, dass Beyoncé „ausgeraubt“ worden sei.

"Sie haben es absolut falsch verstanden", sagte er. "Das Grammy-Komitee sollte sich heute Morgen alle dumm vorkommen, denn selbst Adele gab zu, dass sie nicht das Album des Jahres hätte gewinnen sollen."

Solange Knowles, Beyoncés Schwester und selbst Grammy-Gewinnerin in diesem Jahr für die beste R&B-Performance, twitterte kurz nach der Verleihung des letzten Preises am Sonntag ihre Bestürzung und knüpfte an eine frühere Hetzrede des Sängers Frank Ocean an.

Mr. Ocean, einer der am meisten verehrten Künstler der Streaming-Generation, hatte es abgelehnt, seine Musik bei den diesjährigen Grammys einzureichen, und nannte den Boykott seinen "Colin Kaepernick-Moment". In einem Blogbeitrag nach Andeutungen von Grammy-Produzenten, seine Abwesenheit sei auf eine enttäuschende Leistung bei der Show 2013 zurückzuführen, rief Mr. Ocean die Recording Academy wegen einer "kulturellen Voreingenommenheit" an, die sich speziell auf die Show des letzten Jahres bezog das Taylor Swifts „1989“ das Album des Jahres vor dem Rapper Kendrick Lamars „To Pimp a Butterfly“ gewann.

Nachdem Beyoncés „Lemonade“ am Sonntag gegen Adeles „25“ verloren hatte, drückte auch Terrence Henderson, ein Manager von Mr. Lamars Label Top Dawg Entertainment, seine Frustration aus. „Vielleicht hatte Frank Recht“, schrieb er auf Twitter.

Die diesjährige Show war nicht ganz homogen. Neben einer Prince-Hommage und beispielhaften Auftritten von Beyoncé und A Tribe Called Quest gewann Chance the Rapper drei Auszeichnungen, darunter als bester neuer Künstler, für ein Online-Mixtape.

Aber das breitere Muster war schwer zu ignorieren. Vor allem in den letzten fünf Jahren wurden Alben von Mr. Ocean, Mr. Lamar und Beyoncé für die höchste Auszeichnung zugunsten von Veröffentlichungen weißer Künstler übergangen: Mumford & Sons, Daft Punk, Beck, Taylor Swift und Adele. Obwohl Beyoncé insgesamt 62 Nominierungen und 22 Siege hat, kamen die meisten in den ausgewiesenen R&B-Kategorien, mit nur einer in den großen Drei der Schallplatten, Songs oder Alben des Jahres. „Single Ladies (Put a Ring on It)“ wurde 2010 als bester Song ausgezeichnet.

Nur 10 schwarze Künstler haben jemals das Album des Jahres gewonnen, das letzte war Herbie Hancock, damals 67, für eine Sammlung von Joni Mitchell-Covern im Jahr 2008.

Angesichts von Adeles Sieg am Sonntag konnte die Verleihung des Preises für das beste urbane zeitgenössische Album, ein kleines Sammelsurium einer Kategorie, an Beyoncé für „Lemonade“ nicht anders, als wie ein Trostpreis zu wirken. Sie nutzte ihre einzige Rede in der Fernsehsendung, um hervorzuheben, wie wichtig es ist, dass sich ihre Kinder beim „Super Bowl, den Olympischen Spielen, dem Weißen Haus und den Grammys“ widerspiegeln.

Darüber hinaus hat Beyoncé, die mit ihrem spontanen Kommentar geizt, nicht über ihre Grammy-Niederlage gesprochen. Aber sie hatte eine Überraschung geplant, ob sie gewinnt oder verliert: Ein neuer Song mit DJ Khaled und ihrem Ehemann Jay Z, der exklusiv auf seiner Streaming-Plattform Tidal veröffentlicht wird, genannt „Shining“.

„Bei all dem Gewinnen habe ich den Verstand verloren“, singt sie scheinbar über allem. "Versuchen Sie nicht, mich zu bremsen."


Kritik: Die besten Grammys in Erinnerung haben vielleicht gerade die Preisverleihung wiederbelebt

Es wurde erwartet, dass die Grammys eine weitere Katastrophe der Preisverleihung der COVID-Ära sein würden, ähnlich wie die Golden Globes im letzten Monat. Dann geschah etwas Unglaubliches: Als die größte Nacht der Musik am Sonntag gezwungen wurde, klein zu werden, lieferten die 63. Grammy Awards ihre beste Fernsehsendung in der modernen Erinnerung.

In einem Jahr, in dem kaum etwas anderes besonders gut funktioniert hat, wenn überhaupt – die seltsamen, überraschenden Emmys vielleicht ausgenommen – fand die jährliche Feier der Recording Academy ihren längst verlorenen Groove und trotzte ihrer enttäuschenden jüngsten Geschichte und einer Pandemie, die jedes zweite altehrwürdige gestört wird Tradition, Fernsehen und so weiter.

Die überbordenden Tanznummern, Pyrotechnik und das überfüllte Arena-Publikum der Grammys-Vergangenheit wichen einer intimen und charmanten Nacht im Club mit Amerikas beliebtesten Künstlern, bei der eher Lieder als Spektakel im Mittelpunkt standen. Die ungleichmäßigen Darbietungen, die schreckliche Akustik und die erzwungenen Paarungen von Stars, die während der Zeremonie alltäglich geworden waren, wurden durch überzeugende Sets ersetzt. Von einschlägigen Künstlern. Machen ihre eigenen Lieder! Auch den blinden Flecken der Organisation bei der Ehrung von Künstlerinnen und einem internen Sexismus-Skandal wurde entgegengewirkt, als Künstlerinnen große Gewinne erzielten. Beyoncé und Taylor Swift brachen Rekorde, Megan Thee Stallion und H.E.R. gewann Top-Auszeichnungen und Rekord des Jahres ging an Billie Eilishs „Everything I Wanted“.

Die abgespeckte Feier fand im Los Angeles Convention Center statt, wo Nominierte wie Miranda Lambert und Bad Bunny an sozial distanzierten Tischen auf einer Außenveranda mit Blick auf das frühere Zuhause der Veranstaltung, das Staples Center, saßen, Preise entgegennahmen oder die tränenreichen Reden von ihre Rivalen.

Hier finden Sie Live-Updates zu Gewinnern, Aufführungen, dem roten Teppich, der von COVID betroffenen Fernsehsendung und mehr.

Beyoncé, die mit neun Nominierungen anführte, schrieb Geschichte, als sie mit Megan Thee Stallion einen Rap-Song für „Savage“ und eine R&B-Performance für „Black Parade“ gewann Sängerin Alison Krauss. Und wie die anderen Sieger der Nacht – darunter unter anderem Megan, Dua Lipa und Eilish – nahm sie ihre High-Fashion-Maske ab, bevor sie in unglaublich hohen Absätzen die Stufen zum Podium überquerte.

Drinnen fanden Performances von Harry Styles, Cardi B und Black Pumas auf einer kleinen Ansammlung von Bühnen mit gedämpftem Stimmungslicht, warmtonigen Holzböden und kaskadierenden Blumenarrangements in unmittelbarer Nähe zueinander statt – was bedeutete, dass die Stars gleichzeitig als Publikum fungierten . Nachdem Styles mit „Watermelon Sugar“ auf Sendung war, sah er auf der nächsten Bühne Eilish „Everything I Wanted“ singen. Eilish wiederum tauchte in Haims Interpretation von „The Steps“ ein. Und als die Schwesternbande fertig war, wechselten sie zu Black Pumas. Alle 45 Minuten wechselten die Bühnen und die Künstler, von Silk Sonic zu Swift und so weiter.

Moderator und Popmusik-Enthusiast Trevor Noah bewegte sich mit Leichtigkeit zwischen Innen- und Außenwelt und zwischen beschwingtem Humor und aktuellem Snark.

„Ich werde heute Abend Ihr Gastgeber sein, während wir die letzten 10 Jahre Musik feiern, die uns durch die letzten 10 Jahre des Coronavirus geführt haben. Ich weiß, es ist ein Jahr her, aber es fühlt sich an wie 10“, scherzte Noah in seinem Eröffnungsmonolog. „Heute Abend wird neben der Erstürmung des Kapitols das größte Outdoor-Event dieses Jahres.“ Aber als Noah das Fernsehpublikum eine Rampe hinunter und durch Gänge zum Indoor-Aufführungsraum führte, schlug er die hoffnungsvolle Stimmung ein, die den Rest des Abends andauern würde: „Heute Nacht geht es darum, uns alle zusammenzubringen, wie es nur Musik kann. Nun, Musik und Impfstoffe.“

Es war eine erfrischende Abkehr vom "Zoom-Screen" -Stil, der seit Beginn der Pandemie verwendet wurde, um andere Live-Events zum Leben zu erwecken, und es zwang die Grammys, ihren traditionellen Ansatz neu zu bewerten, der oft als "müde" und "out" verspottet wurde der Berührung." Und da der ausführende Produzent von „The Late Late Show“ Ben Winston die Nachfolge von Ken Ehrlich antrat, der die Show seit 1980 produziert hatte, markierte die Fernsehsendung am Sonntag einen signifikanten Tonwechsel von einer „wirklich großen Show“-Ästhetik zu einer strafferen, wenn nicht? notwendigerweise Nischen-ier, Ereignis.

Ein weiterer großer Unterschied zu früheren Grammys bestand darin, dass eine Reihe der Sets vorab aufgenommen und nicht live aufgeführt wurden. Früher wurde an der größten Nacht der Musik fast alles live gespielt, weshalb für die Grammys Bum Notes das waren, was für die Golden Globes berauschte Reden sind. (Wenn sich das Ausstrahlen von aufgezeichnetem Pop wie Betrug anfühlt, denken Sie daran, was für ein schreckliches Jahr es war und dass wir es verdienen, verwöhnt zu werden.)

Bei der Zeremonie wurden auch schwierige und dringende aktuelle Themen angesprochen. Lil Baby verwandelte seine Darbietung von „The Bigger Picture“ in einen kraftvollen Kommentar zur Brutalität der Polizei gegen Schwarze, als er mit einer Szene begann, in der der Schauspieler Kendrick Sampson von zwei weißen Polizisten angehalten wurde, die ihn erschossen, als er davonlief. Der Rapper Killer Mike aus Atlanta und die Aktivistin Tamika Mallory betraten während des Songs ebenfalls die Bühne. Und Singer-Songwriter H.E.R. gewann den Song des Jahres für „I Can’t Breathe“, eine Hymne von Black Lives Matter.

Die ganze Nacht über bestätigte die Fernsehsendung die Schwierigkeiten, mit denen die Branche aufgrund von COVID-19 konfrontiert ist. Mitarbeiter von unabhängigen Musikhäusern, einem im letzten Jahr besonders stark betroffenen Sektor, überreichten Auszeichnungen in verschiedenen Kategorien: Billy Mitchell, Tourdirektor des Apollo, sprach in einem Tonband über die Geschichte des Veranstaltungsortes in Harlem Segment, wo er auch die Nominierten für den besten Rap-Song vorstellte, bevor er live auftrat, um die Auszeichnung zu überreichen. Ein Vertreter des Station Inn in Nashville, Tennessee, überreichte Miranda Lamberts „Wildcard“ den Country-Album-Award, während Mitarbeiter von L.A.s eigenem Troubadour Styles für „Watermelon Sugar“ die beste Pop-Solo-Performance verliehen.

Es war eine kreative und bewegende Hommage in einem Jahr, in dem soziale Distanzierung zur Norm wurde – und die Recording Academy reagierte mit einer eigenen, normbrechenden Fernsehsendung. Mark 2021 als das Jahr, in dem die Grammys ihren Groove zurückbekommen.

Live-Updates der Gewinnerliste der Grammy Awards 2021: 83 Kategorien, darunter Album, Song, Schallplatte und bester neuer Künstler.


Pop-Mastermind Jack Antonoff ist N.J.s Künstler des Jahrzehnts. Lesen Sie unser ausführliches Profil.

Jack Antonoff sitzt im Asbury Lanes Diner im Asbury Park (Aristide Economopoulos | NJ Advance Media).

An Lob mangelt es Jack Antonoff nicht, besonders bei einigen der mächtigsten Frauen der heutigen Musik.

„Er hat dieses unglaubliche Talent, einem das Gefühl zu geben, seit dem Kindergarten befreundet zu sein“, sagt Pop-Superstar Pink, mit dem Antonoff zwei Songs ihrer 2017er „Beautiful Trauma“-LP geschrieben und produziert hat, gegenüber NJ Advance Media. „Er ist sofort liebenswert und sehr, sehr lustig … Ich hoffe, wir können für immer zusammen schreiben.“

St. Vincent, die Indie-Rock-Halbgöttin, mit der Antonoff Anfang des Jahres einen Grammy Award für den besten Rocksong gewann, erzählt eine ähnliche Geschichte: „Wir trafen uns zum ersten Mal zum Abendessen in einem Hotel in Los Angeles und es war, als ob wir uns kennen würden.“ andere seit Jahren“, sagt sie. „Wir haben uns einfach sofort alles erzählt, was in unserem Leben schief gelaufen ist. Wir haben gelacht. Ich verließ das Gefühl, wie ich es immer tue, nachdem ich mit (Antonoff) zusammen war: sprudelnd, lebendig, als wäre alles möglich.“

Dann gibt es da noch Taylor Swift, die globale Ikone, die zu den häufigsten Mitarbeitern von Antonoff gehört. Sehen Sie sich einige ihrer Smartphone-Videos im Studio an und Sie werden sie neben dem bebrillten Pop-Guru finden, wie sie an Liedern herumfummelt, alberne Tänze erfindet und sich wie alte Freunde übereinander lustig macht.

Jack Antonoff und Taylor Swift, rechts, feiern, nachdem Swift bei den Grammy Awards 2016 das Album des Jahres für "1989" gewonnen hat. Antonoff hat einen Teil des Albums mitgeschrieben und produziert. (Christopher Polk | Getty Images für NARAS)

Die mit Stars gespickte Playlist läuft weiter: Lorde, Lana Del Rey, Sia, Carly Rae Jepsen, Sara Bareilles und Rachel Platten – sie alle haben mit dem entwaffnenden, ständig verkleideten und jungenhaften Musikmacher rumgehangen. Antonoff hat in den letzten zehn Jahren zu Milliarden von Online-Streams und mehr als zwei Dutzend Platin-Zertifizierungen beigetragen, was durch seinen eigenwilligen Songwriting-Stil für immer verändert wurde: eine Mischung aus gigantischen 80er-New-Wave-Chören, nostalgischen Texten und modernen Schlagzeugklatschen dieser Sprung aus den Lautsprechern.

Nicht allzu schäbig für einen Jersey-Typen, der zu Beginn dieses Jahrzehnts ein kämpfender Indie-Rocker war, der im Haus seiner Eltern in Woodcliff Lake lebte und sich bemühte, seine musikalischen Ambitionen am Leben zu erhalten – ein anstrengender Künstler ohne Plan B.

„Rückblickend denke ich: ‚Was zum Teufel habe ich mir dabei gedacht?‘“, sagt Antonoff gegenüber NJ Advance Media. „Ich hatte weniger als kein Geld – ich verlor Geld – und ich brauchte Hilfe von Menschen.“

Jetzt ist Antonoff, 35, derjenige, der Hilfestellung leistet und eine Liste von Smash-Singles zwischen den Arbeiten an seinen eigenen Projekten führt: dem beliebten Elektrorock-Outfit Bleachers und seiner neuesten Gruppe, dem genrebrechenden Trio Red Hearse. Und das alles beinhaltet nicht einmal seine Zeit bei Fun, dem Bestseller-Trio, das 2012 seine Karriere als Mainstream-Spieler startete.

Jack Antonoff auf der Promenade von Asbury Park. (Aristide Economopoulos | NJ Advance Media)

Antonoff ist eine überwältigende, chamäleonartige Präsenz und eine leichte Wahl als New Jerseys dynamischster und produktivster Künstler der 2010er Jahre – kein lokaler Musiker hat so viel geschaffen oder so viele Ecken der Branche berührt. Sein weitreichender Einfluss ist bei den Grammys, im Radio und tief in allen Streaming-Diensten zu spüren, die Millennials zu Hause nennen.

Obwohl man Stunden mit dem bescheidenen, chronisch ängstlichen Songwriter verbringen könnte, der in einem leeren Diner in Asbury Park Schweinebrötchen und Omeletts isst, und er wird nichts davon erwähnen, zumindest nicht ohne Aufforderung.

Es scheint, als würde er viel lieber über New Jersey selbst sprechen, das Zuhause, das seine Musik vom ersten Tag an geprägt hat und dem erwachsenen Kind aus Bergen County immer noch mehr bedeutet als irgendwo auf der Welt.

„Es gibt nichts Schöneres, als von einem Ort zu kommen, von dem jeder sagt, dass er nicht der beste Ort der Welt ist, denn dann macht man ihn zum besten Ort der Welt“, sagt Antonoff. „Du hast die beste Zeit deines Lebens, wenn dir ein bisschen langweilig ist und du es immer wieder nachholst. Das ist New Jersey für mich. … Die Geschichte der Musik aus New Jersey ist ‚Hoffnung‘.“

Doch Antonoff war einst nur ein weiterer Teenager mit einer Identitätskrise, der im Schatten der Skyline von Manhattan lebte. New York half Antonoff, der Tragödie zu Hause zu entkommen, und kultivierte sein Talent an einer Kunstschule, von der er sagt, dass sie "mein Leben gerettet hat".

„Ich würde New York einfach nur anstarren“, sagt er. „Jede Chance, die ich finden konnte, um in die Stadt zu gehen … ich würde sie einfach vergöttern. Es war mein Traumland.“

Seelenchirurgen

Antonoff sitzt im Asbury Lanes Diner, verschlingt sein Frühstück und pflücke Tater vom Teller seines Interviewers. Er ist Paul Simon nicht unähnlich, insbesondere im Musikvideo „You Can Call Me Al“ – ein Vintage-Blazer, der ein blaugrünes T-Shirt bedeckt, das ein wenig zu groß ist. Seine dickrandige Brille verstärkt die vollendete Musik-Nerd-Ästhetik, die er gut trägt. Er spricht von Paul McCartney, Michael Stipe und Jeff Lynne wie Schutzheiligen.

„Ich hasse es, wenn Leute beim Songwriting sagen ‚Nun, es ist keine Gehirnoperation‘, weil ich denke, dass es so ist“, sagt Antonoff. „Meine Lieblingskünstler sind Hirnchirurgen – Seelenchirurgen.“

Jack Antonoff tritt 2018 mit Bleachers auf der Stone Pony Summer Stage im Asbury Park auf. (Andrew Miller | Für NJ Advance Media)

Antonoff ist mit den Beatles aufgewachsen, sagt er. Seine Eltern, Rick und Shira, spielten zu Hause immer Musik, zuerst in einem Arbeiterviertel in New Milford und dann in einem größeren Haus in Woodcliff Lake, wohin die Familie zog, als Jack ein Teenager war. Rick war Geschäftsinvestor und Shira war Krankenschwester im Holy Name Medical Center in Teaneck, bevor sie sich entschied, zu Hause zu bleiben und die Kinder aufzuziehen: Rachel, Jack und Sarah.

Schon in jungen Jahren, sagen Familienmitglieder, zeigte Jack viele der Qualitäten, die seine heutige Karriere antreiben: unsterbliche Leidenschaft, Nachdenklichkeit und der Wunsch, beschäftigt zu sein.

„Wenn wir in den Urlaub fuhren, bekam er einen Job im Souvenirladen des Resorts“, sagt Rachel Antonoff, die bekannte Modedesignerin und seine ältere Schwester. "Ich erinnere mich daran, wie ich zum Hotelpool gelaufen bin und Jack mit einem Dolly gesehen habe, der Kisten vom Lastwagen geholt hat, weil er nur arbeiten musste."

Antonoff spielte Little League und besuchte Solomon Schecter, eine jüdische Tagesschule in New Milford. Im Alter von etwa 12 Jahren begann er mit einer lebenslangen Obsession: der Gitarre.

Er hatte zusammen mit Papa Rick, einem ausgebildeten Ragtime-Spieler, der bei der Blues-Legende Reverend Gary Davis studierte, jahrelang an dem Instrument herumgebastelt.

„Dann, eines Tages, buchstäblich über Nacht, wurde (Jack) einfach unglaublich großartig“, sagt Rick Antonoff gegenüber NJ Advance Media. „Er holte Klänge aus seiner Gitarre heraus, die ich nicht glauben konnte.“

Als junger Teenager begann Antonoff, in die lokalen Punk-Kreise einzutauchen, die New Jerseys alternative Szene der 90er Jahre befeuerten. Fans von Big Wig und Mucky Pup, die in den Kellern von Bergen County und in der schweißgetränkten Legionshalle prügeln, zeigen Speed-Freak-Gitarren und blaue Haare.

„Als Teenager war die New Yorker Szene The Strokes, und alle versuchten, The Strokes zu sein und versuchten, einen großen Plattenvertrag zu bekommen“, sagt Antonoff. „Wir waren so weit davon entfernt, in New Jersey aufzuwachsen. Es gab nicht einmal ein Ziel, es war ausschließlich Gemeinschaft.“

Während seines zweiten Studienjahres an der Pascack Hills High School in Montvale gründete Antonoff zusammen mit Freunden aus der Grundschule seine erste Band, ein rohes Punk-Outfit namens Outline. Despite being just kids — only one of the teens was old enough to own a driver’s license — they managed to book a small East Coast tour.

One problem, though — how would they travel?

Antonoff’s parents, knowing full well the risk of letting four boys drive themselves all the way to Florida, decided to loan Outline their Toyota minivan.

“We wanted to support him because it was so important to him and it felt so real,” says Shira Antonoff. “Obviously, we took a leap of faith.”

Outline only recorded one album and as a senior (then attending Professional Children’s School in Manhattan) Antonoff formed a new band, Steel Train, in 2002. The buoyant, more mature group fronted by Antonoff quickly hit its stride, signing that same year to California punk tastemaker Drive-Thru Records and even scoring a few dates on the Vans Warped Tour that summer.

But those early thrills were marred by emotional wreckage at home. Antonoff’s younger sister, Sarah, suffered from brain cancer and died at age 13, also in 2002.

“At that time, there was a lot of perspective,” Antonoff says. “(My parents) were like ‘f*** it, if you want to play music, play music. You want to live at home while you do it? Groß. You need some money for a van? We’ll loan it to you.”

For the next six years, Antonoff pounded the pavement as a touring musician to modest success. Steel Train never notched a radio hit — or even made a profit, Antonoff says — but the band played constantly, opening for Tegan and Sara, The Fray and Barenaked Ladies, all the while barely keeping that rock star dream alive.

Jack Antonoff, center, performs with Steel Train at The Bowery Ballroom in New York in 2010. (Lisa Kyle | Star-Ledger file photo)

“We’d do a tour, no one would come, we’d lose money, and then we’d get a call that said ‘someone canceled, you can play on ‘Conan,’’’ Antonoff says. “Something would give us inspiration to put in another six months.”

But time eventually caught up with Steel Train. Members began to pursue other interests or start their families. Meanwhile, Antonoff was 28 years old and still living with his parents, oblivious to ascent — to fame, fortune and his first No. 1 single — that would soon change the Jersey boy’s life forever.

‘A big accident’

In 2008, Antonoff was approached by Nate Ruess, singer and frontman for the Arizona indie group The Format, to join a new project, simply called Fun, alongside him and Michigan-based rock pianist Andrew Dost.

“Fun was sort of a big accident,” Antonoff says. “We looked around and we were the last three guys standing, so we said ‘let’s start a band.’”

The group laid roots at Antonoff’s parents’ house in Woodcliff Lake and wrote “Aim and Ignite,” Fun’s critically acclaimed 2009 debut and the first genuinely brilliant album of Antonoff’s career: a tapestried blend of sweeping baroque pop, indie-alternative and classic rock — think “Pet Sounds” meets “Night At the Opera.”

“I thought we were big when ‘Aim and Ignite’ happened,” Antonoff says, noting how incredible it felt to have a few hundred fans reliably attending Fun’s concerts in the U.S. and Europe.

But what seemed like a banner victory for the typically toiling musician would soon appear quaint when compared to the mainstream explosion of “We Are Young,” Fun’s breakout pop anthem, which hit No. 1 on the Billboard Hot 100 in 2012.

“We were selling a few hundred singles a week, then all the sudden we were selling 200,000, 300,000, 500,000,” Antonoff says. “It was like a movie.”

The song, written by Fun and boosted by hip-hop super-producer Jeff Bhasker, began its climb toward mainstream ubiquity in late 2011, when it was used for a full-cast singalong on an episode of the then-red-hot TV musical-dramedy “Glee.”

But “We Are Young” didn’t truly blow until early 2012, when it was featured in a Super Bowl commercial for Chevrolet. In February, the song’s associated album, “Some Nights,” was released, reaching No. 3 on the Billboard Albums chart, and by March 17, “We Are Young” was the top song in America, and would remain at the summit for six weeks.

The addicting tune went on to win Song Of The Year at the 2013 Grammy Awards and Fun won Best New Artist, beating out The Lumineers, Alabama Shakes and Frank Ocean.

“That night was a complete break from reality,” Antonoff says of the Grammys. “It kind of reminded me of deaths I’ve had in my family, but on the other side — everyone you’ve ever known is texting you, you’re this bizarre center of attention for a second, it was something I’d only experienced in more tragic moments.”

After the Grammys, Fun hit the road in style, touring iconic theaters, outdoor amphitheaters and sprawling arenas throughout 2013.

Singer Nate Ruess, left, and Jack Antonoff, on tour with Fun at Terminal 5 in New York in 2012. (Claudio Papapietro | Star-Ledger file photo)

It should’ve been a victory lap, but Antonoff wasn’t ready to settle. All he’d ever wanted to do was write songs and perform them, write songs and perform them in perpetuity — the idea of being a one-hit wonder terrified him.

“As soon as ‘We Are Young’ happened, I had this feeling of ‘oh no, this can’t define me,’” he says.

Fun’s 2013 tour criss-crossed the U.S., Europe and Asia, and through all of it — sensing the group had perhaps run its creative course, despite its mammoth success — Antonoff locked himself in his hotel room and feverishly penned his next chapter.

‘Is that the last song?’

Fun amicably split soon after its tour frontman Ruess launched a solo career and Antonoff used those new songs he’d written for the project he’s still grooming in 2019: Bleachers, the propulsive, retro-tinged pop-rock outfit that Antonoff fronts and makes sure everyone knows is a New Jersey outfit (even though he lives in Brooklyn).

“It becomes clearer and clearer to me where I’m from and what I sound like,” he says.

Bleachers released in 2014 its debut album, “Strange Desire,” an effervescent blast of sonic nostalgia and heart-sleeve longing that sounded like the cast of “The Breakfast Club” visiting Coachella. A follow-up LP in 2017, “Gone Now,” was more methodical, with greater focus on the lush, Beatles-esque orchestral arrangements Antonoff fell in love with as a child.

Herein lies the songwriter’s true mastery — the mystical pinball machine of sound clanging around in his mind. Listen closely to a track called “Goodmorning” and you’ll hear all these miniature orchestral flourishes of dissonant strings and ascendant horns. The layering and complex emotion it conveys is savant-like, not unlike a McCartney or Lennon arrangement. What other alumnus of the crunchy North Jersey punk scene has made such a quantum leap?

Yet upon finishing any new tune —be it for his own projects or in collaboration with a global superstar — Antonoff gets the same sinking feeling.

“Every song I write, I think ‘is that the last song?’” he says. “Some of the greatest artists in history, in a blink, it’s over.”

Such pragmatism seems ridiculous, though, especially in 2019.

In this year alone he’s co-written and produced songs from the year’s best-selling album (Swift’s “Lover”), one of its most acclaimed pop albums (Lana Del Rey’s “Norman F***ing Rockwell”) and launched the trio Red Hearse with renowned hip-hop producer Sounwave — best known as Kendrick Lamar’s go-to studio guy — and songwriter Sam Dew, with whom Antonoff wrote the world-beating smash “I Don’t Wanna Live Forever” for Swift and pop star Zayn in 2016.

And in his spare moments, Antonoff wrote the new Bleachers album, due out in 2020.

His reputation precedes him whether he likes it or not.

In the studio

“Collaboration with other artists is like you’re on Mars and you’re looking around and you see someone wearing a shirt that says ‘Earth’ on it,” Antonoff says. “Because that’s what bands, celebrities, fame, all that stuff is — it’s Mars. And then I meet someone like Lorde or Taylor (Swift) and we start talking about music and realize ‘you’re like me.’”

Most of the writing and recording is done in his home studio in Brooklyn Heights: a spare bedroom housing recording equipment and clusters of instruments, plus a bathroom-turned-drum room and closet-turned-vocal booth. It’s an intimate, mad scientists’ space bursting with retro-cultural chaos: “Star Wars” figurines and autographed baseballs, old Vogue covers and John F. Kennedy posters all fighting for space among the vintage synthesizers and amplifiers.

“It's the perfect blend of someone’s bedroom but then a totally real studio,” Antonoff says.

It’s here that Antonoff cultivates what has become a recognizable sound: His mimicking of all those unbreakable hooks from Depeche Mode, New Order, Duran Duran that span from his work with Bleachers to many of his collaborating artists.

Swift, who Antonoff met at an award show in 2013 and bonded with over “Only You,” a 1982 new-wave single by the U.K. band Yazoo, has most wholeheartedly embraced Antonoff’s love for gargantuan ‘80s synth-pop choruses, which also happens to stretch to his home-state muse, Bruce Springsteen.

“It’s my endless need to inject Jersey into everything,” Antonoff laughs. “I’m going to make Taylor Swift records that sound like ‘Tunnel of Love.’”

He mentions Swift’s new tune “The Archer,” a song that flutters over a bed of deep, bellowing synth, as a song akin to The Boss’s 1987 record.

But “retro keyboard jam” isn’t his hard and fast rule. Antonoff’s touch is decidedly lighter on his projects with St. Vincent and Lana Del Rey, two artists lauded for their singular artistic visions. Here, Antonoff assumes more of the role of sonic sherpa, guiding the artists from what’s in their heads to what is heard on the recording. Sometimes a song takes months, sometimes it falls out in an afternoon, Antonoff says, but the work is almost always done one-on-one.

Jack Antonoff plays backing piano for Lorde, one of his many collaborators, at the 2017 iHeartRadio Music Festival in Las Vegas, Nevada. (Kevin Winter | Getty Images for iHeartMedia)

“I don’t really make records the way everyone else does now — there’s no big teams” he says, referencing the writing camps sometimes used to pump out hooks for mega-artists like Drake and Rihanna. “These records are not made much differently than when I had no budget and I was working in my parents’ living room.”

‘I can’t outrun Jersey’

Sitting with Antonoff as he sips his diner coffee and shifts anxiously — he rarely sits still throughout the interview, an idiosyncratic tick — an important element of his character comes into focus: there is no ego. He’s happy to talk for hours, but not only about his own interests. He wants to hear from you, about where you live, your favorite songs and why you like them. He wants to know more about his interviewer’s fussy Dachshund and the Weiner Walk dog parade that happens on the Asbury boardwalk every spring. He immediately whips out his iPhone, calls an unknown friend — who apparently loves coordinated Dachshund events — and tells her all about it.

Jack Antonoff on the beach in Asbury Park. (Aristide Economopoulos | NJ Advance Media) NJ Advance Media for NJ.com

It’s obvious now why Antonoff has become a go-to producer pal for so many pop powerhouses, particularly female stars: he’s an open book, someone who won’t be quick to judge an artist who spends her life in the spotlight, being picked apart on Twitter for every move she makes.

The inertia of Antonoff’s career suggests plenty more high-profile releases are on the way — when you’re writing for Swift, Pink and Lorde, who can’t you write for?

But even if it all came crashing down, if his four Grammys (he’s earned total 13 nominations, including three in 2020) were somehow erased and he was back to playing small clubs, earning just enough cash to sustain himself, he’d still find satisfaction.

Because it’s always been about the songs, he says, meaning it.

“My life has been supported, saved, conquered and destroyed by music.”

You feel all of that watching him play live with Bleachers, especially at Shadow Of The City, Antonoff’s homegrown music fest held at The Stone Pony in Asbury Park, where his band typically headlines before a few-thousand fans.

Jack Antonoff with Bleachers at the Shadow of The City music festival at The Stone Pony Summer Stage in 2017. (Aristide Economopoulos | NJ Advance Media)

He is electrifying and joyful on stage, at once delivering for the crowd and soaking in the experience, taking no moment for granted.

It’s all in his grin, the same gap-toothed smile he flashed to single-digit crowds as a teenager, and reveals again to millions while on stage accepting his latest award.

It’s the face of someone who left home, made good and came back to share his gift with the people he understands most.


What Your Favorite Artists Will Be Eating at the 2013 Grammy Awards - Recipes

*New* Rocket Man: The Life of Elton John

Aretha Frankilin: The Queen of Soul

Glen Campbell: Life With My Father

Murder at Motor City Records

50th Anniversary Celebration / My Supremes / Mary Wilson

Paperback Writer: A Memoir

Mark Bego's 66 th published book is the fascinating and in-depth biography &ldquoRocket Man: A Life of Elton John&rdquo (Pegasus Books / 2020). According to Bego, &ldquoElton John is a subject I have been following and writing about since the 1960s. I was aware of him since I first heard Three Dog Night&rsquos version of Elton's song &lsquoLady Samantha' on their 1969 &lsquoSuitable For Framing' album. I have followed him from his absolute career peak with &lsquoGoodbye Yellow Brick Road,' to his late-ྂs slump, through &lsquoI'm Still Standing,&rsquo &lsquoLion King,&rsquo and all the way up to his 2020 zenith with the award-winning film &lsquoRocketman.&rsquo&rdquo

&ldquoBego discusses John&rsquos extensive recording output as well as his drug addiction and various health issues, his failed suicide attempt, his coming out, his forays into musical theater (Aida, The Lion King, Billy Elliot), his marriage to David Furnish, and the making of Rocketman. Elton fans won't want to miss this.&rdquo

&ldquoThe life and times of Elton John are explored in this fascinating read&mdashand no details are left uninvestigated.&rdquo

&ldquoBego narrates the ups and downs of musician Elton John&rsquos career and music. In breathless prose, Bego cheerleads for John.&rdquo

&mdash&ldquoPublishers Weekly&rdquo

&ldquoThe ultimate story on the larger-than-life Elton John!&rdquo

&mdashMarkos Papadatos / &ldquoDigital Journal&rdquo

In 2019 Bego had the distinction of celebrating three consecutive Number One best-selling books in a row. The book that set that career record is the incredibly successful coffee-table book, &lsquoSupreme Glamour,&rsquo written with Mark's lifelong friend Mary Wilson of The Supremes. Lavishly illustrated with dozens of exclusive photos of The Supremes, their incredible career, their unforgettable music, and the fashion statements the trio made. &ldquoMary Wilson and I have been best friends since we met in 1975. The first time we met, we started talking about writing a book about The Supremes. I can honestly say that this book has been 44 years in the making.&rdquo It has been so successful that it hit Number One on seven separate Amazon.com best-seller lists on both sides of the Atlantic Ocean.

According to &ldquoThe New York Times&rdquo the book is &ldquoThe untold story of Supreme style. There is barely a black female pop act ― Destiny&rsquos Child, Janet Jackson, Janelle Monáe, Solange Knowles ― (let alone a white one) that hasn&rsquot taken a page from the Supremes look book. The volume chronicles how the Supremes. became agents of cultural change in the 1960s, breaking the race ceiling by weaponizing fashion and defining the way many women ― black women, white women ― wanted to look.&rdquo

&ldquoPublisher&rsquos Weekly&rdquo wrote, &ldquoWilson, one of the original members of the Supremes, shares her collection of some of the lavish costumes she flaunted throughout the 1960s and &rsquo70&rsquos&hellip [She] shares fun anecdotes as the Supremes gained popularity&hellip Both entertaining and aesthetically pleasing, this book will appeal to Supremes fans and vintage fashion enthusiasts alike.&rdquo

Mark's 64 th book, &ldquoLiving The Luxe Life,&rdquo was written with billionaire Los Angeles based hotel owner, Efrem Harkham. Part intimate memoir, part business and life advice guide, the book was released in 2019 and immediately hit Number One on one of Amazon.com's business book best seller lists. As Bego explains, &ldquoWhy is a rock & roll writer doing a book about a successful hotel owner? That is because Efrem Harkham is the rock star of hotel owners!&rdquo

In August of 2019, when it was announced that Aretha Franklin was gravely ill, Bego started preparing a new beginning and a new ending to his hit book &ldquoAretha Franklin: Queen of Soul,&rdquo to yield the deluxe &ldquoTribute Edition" of that biography. The week of Franklin's funeral, Bego's book hit Number One in Amazon.com.

With his 62nd published book, &ldquoEat Like a Rock Star,&rdquo best-selling rock biographer Mark Bego shifted gears to create a whole new genre: the &ldquoauthorized&rdquo rock & roll cookbook. The thing that makes this book totally unique is the fact that Bego has spent four years gathering recipes from 46 of his favorite rock stars, and has personally worked with them to present some of their favorite food. Unlike other multi-subject show business cookbooks, Bego actually worked with his 46 guest chefs, to present their favorite food.

&ldquoEat Like a Rock Star&rdquo is an excitingly colorful cookbook with over 100 recipes featuring food from 46 rock & roll stars, compiled by the biggest-selling rock biographer: Mark Bego. This fully-illustrated book isn&rsquot just a cookbook, it is also a fun tour through several eras of rock stars. What do your favorite rockers like to cook and eat? This book features their favorite food, and also contains dozens of my own recipes, adding up to one of the most balanced and comprehensive cookbooks ever published. With ten chapters it highlights: Breakfast, Lunch, Hors d&rsquoOeuvres, Poultry, Meat, Pasta, Fish & Seafood, Vegetables & Side Dishes, Desserts, and Cocktails. The recipes run the gamut from &ldquoeasy&rdquo to &ldquochallenging,&rdquo all of which I have personally tested. Featuring an &ldquoIntroduction&rdquo by Mary Wilson of The Supremes, &ldquoEat Like a Rock Star&rdquo includes recipes by Bill Wyman of The Rolling Stones, Micky Dolenz of The Monkees, Martha Reeves, Debbie Gibson, Tiffany, Marilyn McCoo of The Fifth Dimension, Joey Fatone, Thelma Houston, Boz Scaggs, Michael McDonald, Jimmy Greenspoon of Three Dog Night, Ray Parker Jr., Dennis DeYoung of Styx, Richie Sambora, Sarah Dash of Labelle, Rita Coolidge, Sean Lennon, Randy Jones of The Village People, Tanya Tucker, Freddy Cannon, Angela Bowie, Freda Payne, Michelle Phillips of The Mamas & The Papas, Shawn Stockman of Boyz II Men, and many more. In addition, the book contains bios of all of the rock star chefs, with food photos all taken by Bego, making it a very personal rock & roll journey.

Here is what five of his celebrity chefs have to say about &ldquoEat Like a Rock Star&rdquo&hellip

"Eat Like a Rock Star is a great way to highlight different genres of music and connect them with different types of food! . . .Tons of unique recipes."

"Mark's dining is always a treat. A cookbook of his rock & roll friends and international recipes spun from his travels make a wondrous contribution to a palate of the pantry. Viva Chef Bego!"

&ldquoI love that my friend Mark Bego has published a cookbook that includes recipes from some of my favorite stars! He even asked me for a couple. I can&rsquot wait to get cookin&rsquo! I love it, and you will, too.&rdquo

&ldquoWow! What a wonderful, wonderful project. The photos just jump off the pages at you and make you want to run into the kitchen and start cooking. Eat Like a Rock Star gave me a warm feeling!&rdquo

&ldquoMark Bego has outdone himself once again, with this stellar collection of rock star recipes. After I got him to taste my Caprese Bruschetta with my manly Minestrone, followed by a couple of my signature Hollywood Cocktails, he is now convinced that although I may live in a cowboy hat and boots with chaps, I definitely left the old &lsquochuck wagon grub&rsquo far behind years ago. Kudos, Bego. Cook it up and rock on! Let's eat!&rdquo

―Randy Jones, the original Cowboy of the Village People

Mark Bego, Elton John, and Mary Wilson, at Elton's annual Academy Awards party in West Hollywood, California, February 28, 2016. (Photo by: Michael Kovac)

&ldquoEat Like a Rock Star&rdquo has been such a hit for Bego, that he is currently working on developing a TV series based on the book. According to Bego, &ldquoMary Wilson and I have been discussing this for quite sometime, and it looks like it is coming together. We have teamed with producers, and we are at work on it.&rdquo

In 2014 Bego wrote &ldquoLife With My Father: Glen Campbell,&rdquo with Glen&rsquos oldest daughter, Debby Campbell. The memoir follows co-author Debby as a child struggling to remain an active part of her fathers&rsquo life through his four marriages. Debby Campbell was an essential part of Campbell&rsquos touring concerts as his singing duet partner for 24 years, a run that came to an end in 2011. It was the same year Glen Campbell made the public disclosure that he was suffering from Alzheimer&rsquos Disease. &ldquoLife with My Father: Glen Campbell&rdquo won a non-fiction award at the 2014 Paris Book Festival, and hit the Top Ten on The Tennessean best-seller list in Nashville.

To link two of his concurrent books together, &ldquoEat Like a Rock Star&rdquo also features a Debby Campbell recipe that she used to make for her father While Bego was busy gathering recipes, Cindy Adams amusingly wrote in The New York Post, &ldquoAuthor Mark Bego, whose Omnibus book on Glen Campbell&rsquos out in April, got a food blog. Recipes from Mamas & Papas Michelle Phillips, Mary Wilson of The Supremes, Boz Scaggs. Obviously, non-singers don&rsquot eat!&rdquo

In 2013 Bego entered the year with the publication of his first novel, which is his 60th published book and his first work of fiction: &ldquoMurder at Motor City Records.&rdquo It is an exciting homage to Agatha Christie mysteries, Dashiell Hammett and James M. Cain crime novels and the music of his hometown of Detroit. When asked about his novel, Bego said, &ldquoI have interviewed so many music stars who had an axe to grind with the record company&rsquos president. In this story, someone finally gets even. And it&rsquos all of the singing stars who are the suspects!&rdquo

In &ldquoMurder at Motor City Records,&rdquo Bego takes the reader on an absorbing and cocktail-filled ride through the streets of Detroit to solve Detective Rusk&rsquos most fascinating case. It is an arresting story mixed with diva fights, rivalries, hit singles, and a crime of passion. According to Gary Graff from the &ldquoJournal Register Newspapers,&rdquo &ldquoBego spins an engaging yarn, complete with lyrics to fictional songs and a couple of twists and turns that make it easy to keep turning the pages.&rdquo Melanie Tait of ABC Radio Australia proclaimed, &ldquoIt&rsquos loosely based on Motown Records, and the characters themselves are all characters that you need to kind of guess who they are&hellip[it&rsquos] great fun, and quite thrilling!&rdquo

In 2012 and 2013, Bego returned to the newsstands. He and Supremes star Mary Wilson presented their all-Supremes magazine: &ldquo50th Anniversary Celebration / My Supremes / Mary Wilson.&rdquo The lavishly illustrated magazine includes many never-before-seen photos of the iconic trio and was released in December 2012. The magazine&rsquos release also marked the 50th anniversary of the album "Meet the Supremes." In May 2013, Bego published the magazine &ldquoLeonardo DiCaprio Matinee Idol,&rdquo in time for the release of the Academy Award-winning film &ldquoThe Great Gatsby.&rdquo

Mark kicked off 2012 by releasing two new books, both of them causing an international sensation. The shocking February 11, 2012 death of Whitney Houston prompted Bego to instantly update his 2009 German language biography of the beloved diva and make it available in several languages. The American version of his book, &ldquoWhitney Houston! The Spectacular Rise and Tragic Fall of the Woman Whose Voice Inspired a Generation&rdquo (Skyhorse Publishing), is the first full biography about the singer to hit the stores, debuting less than three weeks after Houston&rsquos passing.

Bego originally saw Whitney in the 1970s when she was a featured singer in the New York City cabaret act of her mother, Cissy Houston. He immediately noted the teenage singer&rsquos vocal talent at that point, attended her 1985 Carnegie Hall debut, and he wrote the very first book ever published about the life of the singer in 1986: &ldquoWhitney!&rdquo (PaperJacks).

Mark&rsquos 2011 book &ldquoWhitney Houston! The Spectacular Rise and Tragic Fall of the Woman Whose Voice Inspired a Generation&rdquo become an instant hit around-the-world. With Skyhorse covering the English language U.S. and Canada territories, the book is also released in England, Scotland, Ireland, Wales, and Australia through Plexus Les Editeurs for French-language Canada an updated Hannibal Books version for Germany, Australia, and Switzerland Beijing Normal University Press in China Lübbe-Audio in Germany for the book-on-CD version and a Portuguese language version in Brazil via Indigo Books. According to Mark&rsquos literary agent, Scott Mendel, it was one of Bego&rsquos most globally popular books. It was also Mark&rsquos first book to be simultaneously released as an e-book for Kindle (www.amazon.com) and for Nook (www.barnesandnoble.com) for e-readers. It has sold over a quarter of a million copies, 125,000 copies sold in China alone.

Directly following the release of his Whitney Houston book, Skyhorse Publishing presented Bego&rsquos 59th book: a concurrently updated version of Bego&rsquos critically-acclaimed &ldquoAretha Franklin: The Queen of Soul,&rdquo which hit the stores in time for the soul diva&rsquos 70th birthday (March 25, 2012). Mark had originally written this book in 1989, which he updated in 2001. For this version of the book, Mark went back to his personal interview tapes with record business wizard Clive Davis, record producers Jerry Wexler and Clyde Otis, Motown superstar Martha Reeves, and Aretha herself, to add over a dozen new segments to the original sections of the book. In addition to that, Bego added two brand new post-2001 chapters that give light to Franklin&rsquos disastrous Wal-Mart album, and her 2010-2012 life-threatening illness. The book included Aretha&rsquos highly-eccentric 2012 on-again-off-again marriage announcement. In addition to the Skyhorse version in the English language, the book was simultaneously released in the German language, and there is even a Chinese language version that sold over 100,000 copies in its first months of release.

&rdquoPublisher&rsquos Weekly&rdquo wrote of the 2012 version of &ldquoAretha Franklin: The Queen of Soul,&rdquo &ldquoHere are the highs: (singing at the Clinton White House, being a 1994 Kennedy Center Honoree, winning 20 Grammy Awards, performing at Obama&rsquos inauguration) and the lows: teen pregnancies, her stormy first marriage, canceled engagements, lawsuits, drinking and weight problems, the fire at her $1.8 million home. Bego writes with enthusiasm and manages to juggle &lsquoconflicting information.&rsquo&rdquo Library Journal calls the detailed biography the &ldquodefinitive&rdquo book on Franklin.

In 2011 Mark Bego wrote the book &ldquoWhere the Action Is!&rdquo with &rsquo50s and &rsquo60s rocker Freddy Cannon. Rock enthusiasts will remember Cannon for his huge hits &ldquoTallahassee Lassie,&rdquo &ldquoPalisades Park,&rdquo and &ldquoAction!&rdquo&mdashthe theme song for the Dick Clark television show &ldquoWhere the Action Is!&rdquo In fact, Freddy was such a hit with Dick, that he became the most-frequent guest star on the legendary TV series &ldquoAmerican Bandstand.&rdquo Dick Clark was such a big fan of Freddy&rsquos that he wrote the Introduction to it! It was one of the last things that the late Clark did professionally.

In 2010 Mark Bego published his 56th book, the personal memoir &ldquoPaperback Writer.&rdquo In his career, Mark has partied with celebrities, moved into their homes to write their autobiographies, and traveled the world with them. He has had a career which encompasses spending one-on-one time with such stars as Madonna, Cher, Michael Jackson, Aretha Franklin, Mary Wilson of The Supremes, Barry Manilow, The Temptations, The Village People, Micky Dolenz of The Monkees, Angela Bowie, Joni Mitchell, Martha Reeves, Billy Joel, Jimmy Greenspoon of Three Dog Night, and Katherine Hepburn. In this humorous and adventure-filled memoir he recalls going to the exciting opening night of Studio 54, attending cocktail parties with the crown heads of Europe, and his wild roller coaster career of working with the stars of movies, music, and TV. Finally, in &ldquoPaperback Writer&rdquo Bego tells his story.

Mark had four new books in the stores in 2009, including &ldquoElton John: The Bitch is Back.&rdquo The Elton book has been released in five different international versions in different languages with different covers, and different titles. The first one was the German language edition, which was published by Hannibal Books, entitled &ldquoElton John: Die Story.&rdquo England&rsquos JR Books released their version entitled &ldquoThe Elton John Story.&rdquo It was followed by separate versions in Danish and in Russian.

In the fall of 2009 Bego published his 53rd book, which he co-authored with Ruth Mueller entitled &ldquoOne Minute Before Midnight.&rdquo It is the fascinating story of a woman who escaped from Nazi Germany in 1939, and who flourished as a successful business woman in America. According to Mark, &ldquoRuth has a wonderful story, and it makes for a fascinating and inspiring read.&rdquo

The next pair of 2009 books by Mark Bego were published in German by Hannibal Books, available in book stores in Austria, Germany, and Switzerland, as well as on the internet internationally. The first one was Bego&rsquos totally revised &ldquoTina Turner: Die Biografie,&rdquo in a special edition printed in time for the rock diva's 70th birthday in November of that year. It was followed by &ldquoWhitney Houston: Die Biografie,&rdquo which originally made its international debut in the German language only.

The shocking June 25, 2009 death of Michael Jackson put Bego in the spotlight for five separate appearances on the ABC News TV program &ldquoWhat&rsquos the Buzz.&rdquo Says Bego, &ldquoI was deeply saddened by Michael&rsquos tragic passing. I met him in the &rsquo70s and &rsquo80s, and he was a kind and talented man who will truly be missed.&rdquo To bid farewell to &ldquoThe King of Pop,&rdquo Mark Bego wrote and edited a complete photo-filled magazine entitled &ldquoRemember the King: Michael Jackson's Final Tribute,&rdquo which was released in 2010.

Mark&rsquos 51st book, &ldquoMacho Man: The Disco Era and America&rsquos Gay Coming Out&rdquo (ABC / Clio), was one he wrote with his close friend Randy Jones of The Village People. Released in 2008, &ldquoMacho Man&rdquo is a book about the history of gay culture, with the career of The Village People as its centerpiece. A colorful book on pop culture and sociology, it is currently featured in libraries around the world.

In 1994 he collaborated with Martha Reeves of Martha Reeves & The Vandellas on the Chicago Tribune Best Seller, &ldquoDancing in the Street: Confessions of a Motown Diva.&rdquo He also wrote &ldquoI&rsquom a Believer&rdquo (1993) with Micky Dolenz about the singer&rsquos career with The Monkees, and &ldquoOne is the Loneliest Number&rdquo written with Jimmy Greenspoon of Three Dog Night (1991).

Bego has been heralded in the press as &ldquoThe Prince of Pop Music Bios&rdquo and he was called &ldquoThe reigning king of the&hellipbio&rdquo by &ldquoThe Washington Post.&rdquo His books include &ldquoBilly Joel: The Biography&rdquo (2007), Joni Mitchell (2005), &ldquoJackson Browne: His Life and Music&rdquo (2005), &ldquoTina Turner: Break Every Rule&rdquo (2003), &ldquoJulia Roberts: America&rsquos Sweetheart&rdquo (2003), &ldquoBette Midler: Still Divine&rdquo (2002), &ldquoCher: If You Believe&rdquo (2001), &ldquoMadonna: Blonde Ambition&rdquo [revised] (2000), &ldquoBonnie Raitt: Just In the Nick of Time&rdquo (1995), &ldquoLinda Ronstadt: It&rsquos So Easy&rdquo (1989), &ldquoThe Doobie Brothers&rdquo (1980), and &ldquoBarry Manilow&rdquo and &ldquoThe Captain & Tennille&rdquo (1977). His 1998 biography &ldquoLeonardo DiCaprio: Romantic Hero&rdquo spent six weeks on &ldquoThe New York Times&rdquo Best-Seller List. His first &ldquoNew York Times&rdquo Best Seller was his 1984 book Michael! [Jackson], which sold over eight million copies in six languages.

Branching out into new arenas, in 2006 Mark published a collaboration with famed psychic to the stars called &ldquoYolana: Just One More Question.&rdquo He also worked with the late Lamar Fike, legendary Elvis Presley confidante, on a book called &ldquoFIKE: An Uncommon Journey,&rdquo and a screenplay entitled &ldquo&rsquo57 to &rsquo60: One of the Boys,&rdquo co-written with David Stanley.

Bego&rsquos books have included &ldquoThe Rock & Roll Almanac,&rdquo and have also encompassed several other entertainment industry subjects. He has written about television: &ldquoTV Rock &mdash The History of Rock & Roll on Television&rdquo (1988), and the movies: &ldquoWill Smith: The Freshest Prince&rdquo (1998), &ldquoMatt Damon: Chasing a Dream&rdquo (1998), and &ldquoRock Hudson: Public and Private&rdquo (1986). Bego has also recently launched his own line of jewelry. He has been designing jewelry since the 1970s, and he is now actively producing and selling it on this website in the &ldquoJewelry&rdquo section (click on the link on the navigation bar above). Based on the success of Mark&rsquos biography &ldquoLeonardo DiCaprio: Romantic Hero,&rdquo world-famous Melitta Coffee Company in 1998 named a new coffee line after him: &ldquoMark Bego's Romantic Hero Blend.&rdquo Mark Bego regularly appears on television reporting entertainment news, and in 2011 he landed an acting role on Gloria Allred&rsquos courtroom TV show &ldquoWe the People.&rdquo Now, with his new cookbook and chef persona, and after 66 books, Bego claims, &ldquoI&rsquove only just begun!&rdquo


Grammys 2013: Where lip-syncing is off-limits

Strutting the stage in her white tuxedo jacket, shorts and sparkling top hat, Taylor Swift opened Sunday’s Grammy Awards with a live performance of her current hit, “We Are Never Ever Getting Back Together.”

Inside Staples Center, the singer’s performance earned loud applause. But to the Twitterverse watching at home, the pop and country superstar sang a little bit flat.

Swift was dancing in the footsteps of countless artists who have performed live at music’s biggest night. Unlike Beyoncé at President Obama’s inauguration last month, Swift had no choice: She had to sing and take her chances.

That’s because the Grammys have a zero-tolerance policy for lip-syncing, requiring all performances be live.

“Since Milli Vanilli, the mandate has been made absolutely unequivocally,” said Michael Abbott, the audio director who has helped coordinate the show’s live performances for more than 20 years. “The Grammys only have live performances, no questions about it.”

Grammy officials say the no lip-syncing edict came after pop and dance group Milli Vanilli was stripped of its 1990 best new artist award when the duo admitted that they did not use their actual voices on their album or in performances.

FULL COVERAGE: Grammy Awards 2013

Abbott acknowledges that the insistence that all of its live acts are 100% live hasn’t quieted skepticism.

After R&B star Chris Brown’s acrobatic dance performance at last year’s Grammys, many wondered how he could possibly pull off those moves while singing on key.

Though the Grammys allow performers to use some special sound effects and track augmentation during their performances, Abbott insists viewers are hearing their actual voices and instruments.

As performances continue to become more elaborate, artists face new challenges to ensure the quality of their sounds, said Ilana Martin, a voice coach who has worked with artists such as P. Diddy and Alicia Keys.

Martin said the ideal physical setup for a vocal performance is standing at a microphone – such as country star Carrie Underwood’s performance of her songs “Blown Away” and “Two Black Cadillacs” at Sunday night’s show.

Artists known for their moves such as Usher and Pink are known to practice singing while running or jumping on trampolines to master singing while their bodies are bouncing, Martin said.

During his performance with rapper Wiz Khalifa at Sunday’s Grammys, R&B singer Miguel sang while dashing down the aisle of the audience — and his crooning on “Adorn” didn’t falter.

“If you’ve got the fire in your belly, and sing with your whole spirit,” Martin said, “you’re going to rock the performance.”


Schau das Video: BTS 방탄소년단 Dynamite @ 63rd GRAMMY Awards Show


Bemerkungen:

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